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El obituario de FreeJazzBlog: 

For quite some time it was known that Milford Graves’s state of health was not the best. In 2019 at the Vision Festival he needed the help of his son to master the three steps at the entrance. The reason was a depressing one: his doctors had informed him that he was suffering from amyloid cardiomyopathy, sometimes also called stiff heart syndrome or cardiac amyloidosis. The disease has no cure and when Graves was diagnosed with it in 2018, he was told he had six months to live. However, he has always been a tough guy and in the end he managed to live with it for a much longer time.

Milford Graves was born in Jamaica, Queens/New York. There was a drum kit in his house and by the age of three he was already playing on it. Like many African-American musicians he was exposed to a lot of rhythm & blues music as a child. Additionally, he studied African hand drumming and the tabla until the age of 19 - a period he considered to have been highly significant in the development of his tonal concept. In the very early 1960s he led dance bands and played Latin gigs in New York. Then he met Giuseppi Logan and they started rehearsing together. When they were invited to a session this turned out to be a rehearsal by the New York Art Quartet, at that time consisting of J. C. Moses (drums), Don Moore (bass), Roswell Rudd (trombone) and John Tchicai (saxophone). Soon Graves replaced Moses because according to him he “was the only drummer at that time playing in a certain free concept, using different rhythms (which) changed the whole thing around“. Graves revolutionized jazz drumming with his sense of rhythmic cohesion, intensity and musicality. His emphasis was on playing freely instead of playing time, he focused on clarity and tuned his snare drum higher than other drummers did, so that his tom-toms were sounding deeper than usual. This dampened sound became his trademark.

For Graves, the drum set was an archaic instrument. To him, beats were heartbeats, ecstatic dances, rhythmic convulsions, trance. It was a constant up and down. Just life. He said that the drums were the foundation of all music, the basis. Milford Graves was not just a drummer. He was the personification of the drum set. In free jazz there has never before and never after been someone whose body seemed to form a more perfect unity with the hodgepodge of drums, cymbals and additional materials. Saxophonist Hugh clover said about him: “He says that it’s all rhythm. We breathe in rhythm, we talk in rhythm and we get up in rhythm. All our things are rhythm whether we know it or not.“

Milford Graves has recently moved into the focus of the jazz public again through Full Mantis, a documentary about his life. The film accompanies the audience through the artist’s lush garden and ornate home into the martial arts dojo in his backyard and the laboratory in his basement. Graves tells stories of discovery, struggle and survival, ruminates on the essence of “swing“, activates electronic stethoscopes in his basement lab to process the sound of his heart in order to study it to prepare for treating himself and fight his disease.

Although his music is not as thoroughly documented as one might expect, free jazz owes great albums to Milford Graves. My favorite ones are his first two LPs with the New York Art Quartet, Mohawk (Fontana, 1965) and New York Art Quartet (ESP, 1965) as well as the 5-LP box Call It Art (Triple Point Records, 2013), the first two releases certainly free jazz landmark records. Also in 1965, he played the drums on the only album of the Lowell Davidson Trio (ESP) with Davidson on piano and Gary Peacock on drums and on Paul Bley’s beautiful Barrage (also on ESP). Exceptional albums as a band leader are Bäbi (IPS, 1977; later released as a double CD on Corbett vs. Dempsey) with Arthur Doyle and Hugh Clover on reeds, and Meditations Among Us (Kitty Records, 1977) with a crème de la crème of Japanese musicians. Newer releases showing what a great drummer he was are his duo with John Zorn, 50² (Tzadik, 2004), and Beyond Quantum (Tzadik, 2008), a trio album with Anthony Braxton and William Parker. I also want to recommend his drum duo with Andrew Cyrille, Dialogue of the Drums (IPS, 1974), which is one of the rare proofs that an album consisting of percussive instruments and vocals only can be exciting and entertaining. At the Vision Festival in 2019 they revived this duo and Milford Graves told the story how the two met in 1961 and how they played Latin Jazz. At the end of the set Cyrille said how much he appreciated and loved Graves as a person and that he was proud that he had been been part of his life. Graves wanted to respond but his voice failed, he was in tears. It was an incredibly touching, unforgettable moment full of heartfelt, honest emotions.

After a long fight one of the greatest drummers the jazz world has known has lost his fight against cardiac amyloidosis. One of the last founding fathers of free jazz, a real musical revolutionary, has gone for good. Not many of them are left now. Rest in peace, Milford Graves.



https://www.freejazzblog.org/2021/02/milford-graves-1941-2021.html

Ha salido el premio gordo y ha caído todo en el nuevo de Vijay Iyer (con Linda May Han Oh y Tyshawn Sorey). Haceos el favor, una hora y cuarto que tengáis de silencio, aprovechad y os ponéis el disco, una maravilla de viaje.

El nuevo de Kaja Draksler y cia que tal?

Spree escribió:

El nuevo de Kaja Draksler y cia que tal?

'Somit'. Pues solo lo he escuchado una vez (llevo varios meses sin ordenador y todavía estoy intentando ponerme un poco al día...), creo que es mejor disco que el primero, aunque al perder el "factor sorpresa" del otro (parecido en estructuras y ritmos) puede tener menos impacto. Y no sé si con esta idea se me va la cabeza, pero creo que encajaría mucho mejor en ciertos festivales de electrónica (temas como 'Trboje' o 'Enbert amok' seguro) que en los de jazz más clásico.



https://punktvrtplastikintakt.bandcamp.com/album/somit

Laetitia escribió:

Ha salido el premio gordo y ha caído todo en el nuevo de Vijay Iyer (con Linda May Han Oh y Tyshawn Sorey). Haceos el favor, una hora y cuarto que tengáis de silencio, aprovechad y os ponéis el disco, una maravilla de viaje.

Anda, no sabía que había salido ya! Los adelantos que he escuchado me gustaron bastante.

Han salido también uno de Binker Golding con Steve Noble and John Edwards que esta bastante bien. También anda por ahí lo nuevo de Damon Locks & black monument ensembe’s

fid escribió:

Han salido también uno de Binker Golding con Steve Noble and John Edwards que esta bastante bien. También anda por ahí lo nuevo de Damon Locks & black monument ensembe’s

¡Gracias, ahora los buscaré!

De los últimos que me han gustado, 'The Ritual and the Dance' de Roscoe Mitchell (saxo) y Mike Reed (percusión), directo grabado en 2015, son dos piezas de free jazz duro. Tremendo Reed para no perder nunca el hilo y cerrar con esos dos últimos minutos mágicos.

https://astralmitchellreed.bandcamp.com/album/the-ritual-and-the-dance

'Never is Enough' de Thumbscrew, el trío de Halvorson (guitarra), Fujiwara (batería) y Formanek (bajo). Aunque prefiero bastante más sus proyectos de conjuntos largos, me gusta todo lo que hace esta mujer. El disco va mejor cuando sigue la línea del anterior (Anthony Braxton Project), en otros momentos pierde fuerza y se hace algo monótono.




¿Alguien se ha escuchado las 10 horas del 'Migration of Silence Into and Out of The Tone World' de William Parker? De momento no he podido ni descargarlo porque se pasa de capacidad (más de 1GB) para cuentas gratis
 
https://williamparker.bandcamp.com/album/migration-of-silence-into-and-out-of-the-tone-world-volumes-1-10

'All Knavery and Collusion' del cuarteto de Evan Parker (con Paul Lytton a la batería, Alexander Hawkins al piano y John Edwards al bajo). Free jazz con un imaginario desbordante, llevado bien lejos en algunos temas como 'A Blazing Star or Comet Appeared' y que desarrollan todavía mejor en 'The Weather Set in Hot', una improvisación de 24 minutos. La grabación se hizo tras un directo en Londres en 2019. 

Vengo del spam de Laetitia en el hilo de los tochos:

Precisamente últimamente estoy mucho más receptivo al jazz de lo que he estado en por lo menos diez años. Lo que pasa es que cuando escucho rock, o folk o pop, o rap, me siento "seguro", en cuanto a que entiendo todo bien como un diálogo histórico (¿?) y para mi esa, digamos, coherencia discursiva, es bastante importante y reconfortante. Con el jazz me siento como un bebé grande. He escuchado los clásicos (keseyo, Coltrane, Mingus, Davis, Parker, Monk, Evans, etc, etc) pero a veces siento que me falta un poco de armazón para digerirlo. Compré hace unos meses el "Historia del Jazz" de Ted Gioia pero reconozco que a veces me cuesta un poco conectar con él. Eso sí: estas últimas semanas he escuchado obsesivamente (además en LP, que es algo que estoy intentando recuperar) ciertos discos de dos artistas que realmente me conmueven: Monk (Underground y Solo Monk me chiflan) y Ornette Coleman (This Is Our Music me parece una cosa sublime, un disco perfecto, y los demás que he escuchado no le van a la zaga). 

Mi contacto con el jazz contemporáneo, eso sí, ha sido escasísimo. Y muchas veces me veo tentado al ver cosas que pones aquí, Laetitia (supongo que Matana Roberts y Wadada Leo Smith son los nombres más evidentes) pero supongo que por una mezcla de pereza y vértigo ante mi propio desconocimiento (tanto de lo pasado como de lo actual) acabo siempre tendiendo a escuchar de lo mío. A ver si poco a poco voy recuperando el tiempo perdido.

*me he dado cuenta de que por ejemplo a Kamasi Washington sí que lo he escuchado y no me ha dado más, y BADBADNOTGOOD, que me gustaron mucho en directo, grabados no me entusiasman. Pero sospecho que esto está en las antípodas de lo que pueda ser interesante en el jazz actual.

Ese de Ornette Coleman es tremendo, con Don Cherry, Charlie Haden (con los que haría en los 80 'In All Languages', que tiene una segunda parte eléctrica con unos desarrollos muy chulos) y Ed Blackwell a la batería. Me costaría mucho decidir cuál es mi disco favorito suyo, creo que ahora elegiría 'Science Fiction', pero mañana seguramente diría otro.



De USA, la mayoría de trabajos interesantes actuales son herencia más o menos directa de la AACM (Association for the Advancement of Creative Musician) de Chicago y del trabajo que han ido realizando para mezclar raíces y vanguardia. En Europa la principal influencia sigue siendo ECM (jazz bastante aséptico, que ha derivado en free jazz puro), aunque últimamente ha sido más habitual ver trabajos que mezclaban con lo tradicional, además de géneros particulares que han estado siempre (flamenco). Luego está la generación que ha salido de Reino Unido, que es un mundo aparte de fusión (funk, hip hop, cosmic, etc.)

Sobre discos "radicales" de los últimos años, en la página 13 de este hilo puse en un comentario el enlace de los mejores discos de la década de Free Jazz Blog y mis 100 favoritos, con muchas coincidencias entre ambas. Creo que la mayoría lo son, por estilo o por contenido, pero por darte unos nombres de ahí de músicos cuyos discos creo que entran bien de primeras: Anna Hödgberg, Anna Webber, Nicole Mitchell, Kris Davis, Steve Lehman o Matt Mitchell.

Ahora acabo de escuchar un directo de Cecil Taylor (piano) y Tony Oxley (batería) del año 2002 que subieron hace unos meses. Cecil Taylor es la puta hostia, se me acaban los adjetivos con este tipo:

https://discusmusic.bandcamp.com/album/being-astral-and-all-registers-power-of-two-106cd-2020

Y ya con todo la expectación del mundo por lo que pueda salir de aquí, Ingrid Laubrock (saxo), Leila Bordreuil (violoncello) y Susan Alcorn (pedal steel) juntas, hay más big three aquí que en Brooklyn. Han puesto un tema de adelanto:

https://ingrid-laubrock.bandcamp.com/album/bird-meets-wire-2

Aquí improvisando en 2015, desde entonces han cambiado un mundo:

Ya está por ahí el directo de Hearth (Kaja Draksler, Susana Santos Silva, Ada Rave y Mette Rasmussen) del festival de Portalegre de 2019.










https://cleanfeedrecords.bandcamp.com/album/melt

Una sesión con proyectos de Kate Gentile (batería) y Matt Mitchell (piano), los dos temas que sacaron como dúo bajo Gloatmeal:

https://gloatmeal.bandcamp.com/album/100-eps

Y acompañados de guitarra, trombón, bajo y saxo como Snark Horse:

https://snarkhorse.bandcamp.com/releases

El mismo día de ese concierto de Cecil Taylor Unit hubo otro de Miles Davis. Saldrían de allí flotando. 

Ya de paso, ¿la mejor gira de Miles Davis es la de 1973? Y puede que fuera la formación (septeto con Dave Liebman, Pete Cosey, Reggie Lucas, Michael Henderson, Al Foster y James Mtume Forman) que en conjunto tuviera menos status en muchos años, pero sonaban a estar quedándose cerca de una sobredosis de cocaína. Además hay bastantes subidos (Viena, Estocolmo, Japón, etc.) y son todos igual de buenos

Gracias por los directos, Laetita! ¿Hay algún álbum oficial de esa gira del 73?


Hoy he descubierto este álbum de la montecarlo jazz ensemble, que reeditaron el año pasado y me ha sorprendido bastante.
María Gabriela Epumer y Fernando Samalea, acompañantes de Charlie Garcia, reunen a toda una ristra de colaboradores en un proyecto  que es un weather report meets guru muy loco para la Argentina del 95. Todo ello sin beneficios, destinando los beneficios a poblaciones nativas.



https://open.spotify.com/album/4ZkqmZtiUJe6MH210XqhzW?si=b3emcidZTMKzivLcr7oYAQ

fid escribió:

Gracias por los directos, Laetita! ¿Hay algún álbum oficial de esa gira del 73?

Que yo sepa no, lo más cercano es 'Live/Evil' de 1971, con Keith Jarreth, Gary Bartz, John McLaughlin, Jack DeJohnette, Michael Henderson y Airto Moreira, que también es muy bueno.

No se si es el sitio correcto,pero que os ha parecido esto?

Creo que está perfecto aquí, el hilo necesita variedad y aire fresco. A mí me ha gustado más que el primero, a ver con qué coincide en el Primavera (van el jueves del primer fin de semana) y en qué escenario les ponen (¿Pitchfork?)

Está dificil pronosticar. Estos son capaces de ponerles a primera hora en uno de los grandes, por eso de "apoyar a bandas emergentes" tipo lo que hicieron con Big Thief, pero flaco favor ponerles en mordor con la solana, la verdad. Me encantaría auditori, pero creo que peco de pedir auditori para todo lo que me gusta. 

Aunque con un disco así, encajaría de maravilla, la verdad.

En Auditori serían fijos, pero no creo: 

Yo los vi en el Paredes en el la carpa y aquello era de cualquier cosa menos de Auditori, los guiris bastante arriba y en general todo una puta locura, de esas que sales diciendo qué leches acabas de ver.

Salió hace unos días 'Idiom' de Anna Webber. Con dos formaciones: trío con Matt Mitchell (piano) y John Hollenbeck (batería) y ensemble de 12 músicos, sigue en su línea de composiciones brillantes, casi dos horas en las que cada pieza se desarrolla y encaja perfecta. 

https://annawebber.bandcamp.com/album/idiom

Idiom by composer/saxophonist/ flutist Anna Webber is the follow-up to her critically-acclaimed release Clockwise, which the Wall Street Journal called "visionary and captivating" and NPR described as “heady music [that] appeal to the rest of the body.” Idiom is a series of six pieces, each of which is based on a specific woodwind extended technique -- a broad term meaning any non-traditional way of producing sound on an instrument, including the use of multiphonics, alternate fingerings, key clicks, overblown notes, and the like -- that she has taken from her own improvisational language. The works are the upshot of her belief that jazz composers/performers are in a privileged position to create the perfect vehicles for themselves as improvisers. As a frequent user of extended techniques in her own playing, Webber set out to create a continuum between her compositional and improvisatory vocabulary, orchestrating these effects across the ensemble, and applying them to different instruments. They are also used to generate chords and scales and, overall, gave license to utilize other naturally occurring sounds, opening up whole new worlds of mysterious sonic combinations and orchestrations.

“Idiom II” from this book of compositions appeared on Clockwise, while the new project – spread out over two volumes – comprises the other five “Idiom” pieces. The first four of these feature her Simple Trio – Webber with drummer John Hollenbeck and pianist Matt Mitchell – which has been her primary working group for the past eight years. The hour-long “Idiom VI” is performed by a twelve-piece ensemble that brings together a mix of musicians equally split between improvisors and new music specialists. With Idiom, Webber has created a singular sonic world, a bold magnum opus that paves a new path for the amalgamation of cutting-edge composition and improvisation. 

Cartel de Jazz em Agosto, los dos fines de semana del 29 de julio al 8 de agosto en Lisboa. El mejor festival de jazz de la Península

https://gulbenkian.pt/jazzemagosto/en/

La tenéis (ésta sí, casi seguro en el Auditori) el jueves del segundo fin de semana del PS



https://intlanthem.bandcamp.com/album/hush-harbor-mixtape-vol-1-doxology

Qué maravilla la programación del festival de jazz de Barcelona. Entre octubre y noviembre, van a pasar Vijay Iyer, Mary Halvorson, Cécile McLorin Salvant, Chris Potter, Ambrose Akinmusire, Maria Schneider y Christian Sands entre otros, todos con formatos excelentes.

https://www.jazz.barcelona/es/proximos-conciertos