Electrónica en general v.3

Quería apuntar algo. Personalmente encuentro interesantes las últimas intervenciones de Belce y Metas Dona con algunas aportaciones del resto, hasta el punto de volver varias veces ya a las últimas páginas de un hilo que casi nunca me interesa. Creo que este tipo de discusiones (primera acepción del término discutir), son mucho más enriquecedores que un simple copiar/pegar enlaces a modo de radio del Jodido Cónsul. Y nada, que quería animar a seguir por ahí a los que tengan un cierto conocimiento para que podamos beneficiarnos el resto

[quote="belcebú"]

Metas_Donna escribió:

Hay alguna canción electrónica que os haya erizado los pelos?

katsumi escribió:

Porque muchas están pensadas para otro objetivo.

Esto abre una interesante reflexión. ¿Son canciones pensadas para ser escuchadas?

Ahí lo dejo.

Sí, por supuesto, en un entorno y bajo unas condiciones determinadas. Ello no impide que se puedan escuchar de otro modo, pero encuentro difícil que alguien que de entrada no le gusta este género pueda disfrutarlo en su plenitud.

De piel de gallina que no veo muchas de Autechre por aquí...








La única canción de Ae que transmite optimismo


Me encanta cómo hicieron suyo un sample tan evidente y conocido Y los cambios de la versión en directo, fua, esas voces...

katsumi escribió:

Sí, por supuesto, en un entorno y bajo unas condiciones determinadas. Ello no impide que se puedan escuchar de otro modo, pero encuentro difícil que alguien que de entrada no le gusta este género pueda disfrutarlo en su plenitud.

A qué género te refieres? De entrada yo no desecho ningún género.
Voy a suponer que es el Techno porque ha sigo sugerido por Patton con anterioridad.

Lo del entorno y bajo unas condiciones determinadas es clave. Ahí sí adquieren sentido esas duraciones.
Esto está relacionado con el término EBM (Electronic Body Music). Término que se empleó para designar cierto tipo de música hecha por sintetizadores con un marcado carácter industrial (Front 242, Nitzer Ebb...) pero que es un término que da mucho más de sí, pues marca una clara distinción entre música destinada al cuerpo y música destinada a la mente, tradicionalmente la principal brecha de separación entre la música seria (clásica o culta, como se quiera llamar) y la música para bailar (folk, música popular o como se quiera llamar).

Definitivamente, el tipo de música electrónica del que estamos hablando se destaca por su insistencia en la percusión y los sonidos graves, lo cual implica destacar las cualidades tangibles, físicas y materiales del sonido.
Otro aspecto a tomar en consideración es el ritmo. El ritmo, junto al timbre, han sido los dos grandes perdedores en el discurso de la música clásica. La distinción entre música seria y música para bailar está detrás de esta separación, junto con la dificultad de especificar el ritmo dentro de la notación tradicional. Vemos como el ritmo es, dentro de la música tradicionalmente calificada como seria, algo únicamente sugerido, digamos que pertenece al campo de lo subjetivo adoptado por el intérprete dentro de una escritura musical básicamente cerrada.
El baile deriva necesariamente del ritmo. En el tipo de música electrónica que estamos hablando, el ritmo aparece como algo más que repetición, el ritmo o lo que es más correcto, la interacción entre ritmos diferentes, provoca la emergencia de nuevos sentidos. Dentro de esta música, es común escuchar fragmentos en los que aparecen dos o tres ritmos simultáneos que poco a poco se engranan. Lo que en un principio parecía imposible de juntar, después de un rato parece emerger un ritmo evidente.
De lamisma manera pueden surgir ritmos de los sonidos, recordemos que cada sonido está constituido por una vibración concreta; para que un sonido pueda ser considerado constante debe mantener una repetición interna constante, esto puede convertirse también en un ritmo, o al menos podemos hacer derivar un ritmo de una vibración concreta.
Cuando observamos enlazarse los ritmos estamos asistiendo a la corroboración fáctica de la posibilidad de hacer compatibles dos órdenes que en apariencia son incompatibles e incluso contradictorias.
Uno de los principales valores del ritmo es sucapacidad para ser bailable. La identificación entre el ritmo, el cuerpo y el baile desemboca en una concepción de este tipo de música como arte mediático y social, es decir, como un arte intermedio entre; por un lado, el arte autónomo e individual propio del sujeto comunicativo emisor, creador de arte mediante la poiesis y, por otro lado; un arte popular étnico y colectivo en el que se sitúa el sujeto comunicativo receptor que accede a la experiencia estética mediante la catarsis. Todo tipo de techno, participa entonces, de un proceso creativo consistente en la estética y comparable, por lo tanto, a otras artes mediáticas tales como los jardines, gastronomía, arquitectura o moda; que serian “degustadas” por medio de los sentidos somáticos.
Es decir, la obra tendría sentido absoluto únicamente en ese entorno y bajo esas circunstancias determinadas a las que te refieres.

Por el contrario y reafirmando esta tesis, podemos ver, como existe el intento, por cierto tipo de Techno, de entrar dentro del mundo del arte autónomo e individual, etiquetas como Techno inteligente indican que estos músicos están desapareciendo de la zona del cuerpo para desplazarse a la del intelecto y el arte.
En este contexto vemos como en esas obras la percusión y los sonidos graves se suavizan para dar paso a desarrollos armónicos más complejos y que transmiten una emoción autónoma, volviendo a aparecer el concepto de canción.

De ahí mi dolor de cabeza al escuchar a CJ Bolland (que le preocupaba a unviajeporelsol). Estaba escuchando canciones de este último contexto que había estado poniendo Santi, dirigidas a la mente y de golpe y porrazo me he encontrado con una canción dirigida totalmente al cuerpo. Mi mente no estaba preparada, no estaba en el contexto necesario, la pilló de sorpresa y reaccionó en consecuencia.

Esto nos lleva al carácter de larga duración de este techno al que nos referimos.
La forma en la que se presenta esta música es predominantemente en sesiones de una hora y media o dos. El Dj trabaja durante ese periodo de tiempo con una colección de vinilos que contienen ritmos y sonidos diversos. La mejor forma de apreciar esta música es observando cómo durante un periodo largo de tiempo los sonidos/cuerpos (pues la expresión artística requiere un todo como he explicado antes) van emergiendo y desapareciendo, construyendo un mundo sonoro con texturas y movimientos sorprendentes. El concepto de canción no está presente aquí, lo cual es una novedad dentro de los estilos de música contemporánea.
Esto hace pensar que el desarrollo en un espacio temporal de larga duración puede ser una de las claves diferenciadoras respecto a otro tipo de música. Esto la acercaría a estilos musicales como el Jazz, con su inspiración en una especie collage sonoro que invita a la improvisación, o con la música clásica respecto a la dilación en el tiempo expositivo de la obra. Así se explica que un sello musical como Blue Note en el caso del Jazz edite esto



O Deutsche Grammophon en el caso de la música clásica edite esto.



En conclusión, después del tocho, que lo que has dicho de que estas ¿canciones? estén pensadas para un entorno y condiciones determinadas es clave, pues la obra no está aún terminada; la poiesis está en mezclar esos ritmos y con ello generar la catarsis en un público colectivo que completa la obra.
Ello no impide, como bien has dicho, que se puedan escuchar de otro modo, pero no es el fin con el que están pensadas.

Metas_Donna escribió:

Me encanta cómo hicieron suyo un sample tan evidente y conocido Y los cambios de la versión en directo, fua, esas voces...

Estos juegan en otra liga. Cual es el sampler? Yo no soy capaz de pillarlo.

Parece el trans europe express de kraftwerk

El ritmo tiene la misma cadencia que Trans Europe Express (más lento), pero no veo el sampler.

Cadencia heredada de los Zeppelin, por cierto.

Qué genios. La transforman por completo y la reinventan.

belcebú escribió:

Muy bien Sushi Club. Me gustan mucho las tres.
Asombra el partido que le saca a elementos muy escasos. Es puro minimalismo.
Sabe sacar algo que sabe denso y rico partiendo de muy pocos ingredientes.
¿Es japonés? Ya no solo por los nombres, es que sus canciones realmente parecen cocina japonesa, mezclando pocos elementos para conseguir un todo en equilibrio y rico en matices.
El nombre que se ha puesto o que se han puesto no es baladí.
Llega a erizar un poquito los pelos en momentos. Mola

El otro día me confundí al leer y te puse canciones de los dos discos que te recomendaba en lugar de canciones de piel de gallina, las prisas al leer y tal , the Sushi Club efectivamente es japones, aunque criado en Alemania, lo que yo creo que permite entender mejor su sonido, y sobre todo los títulos, para mi está una par de escalones por encima del resto de artistas que producen este tipo de sonido, y es que la producción está llena de pequeños detalles que le da muchos matices a ese minimalismo del que hablas...


ya desde su primer disco el tío apuntaba maneras, y estaba presente el toque oriental con el contraste de ese sonido tan alemán, tan heredado de Kraftwerk.

Ahora que estoy escuchando el disco en un buen bitrate, veo que tiene además otra virtud muy grande, y es el acabado. La mezcla y la masterización son dos procesos vitales para el resultado de la obra. Muchos de los artistas de música electrónica se encargan ellos mismos de todo el proceso y es muy raro que uno sea buen músico, buen mezclador y buen masterizador. Pocos ejemplos hay de eso, lo que deriva en acabados poco finos en una gran cantidad de estas obras. Son los parabienes y las miserias de la democratización de la música. Otro tema que da para largo.
En este caso no sé si él mezclará y masterizará, pero el acabado es sobresaliente.
Otro ejemplo de acabado sobresaliente es este. Hay pocos que suenen así de pulidos en el resultado final.



Otro ejemplo podría ser Guetta, que tiene unos acabados también impecables pero me da miedo mentarlo

belcebú escribió:

Ahora que estoy escuchando el disco en un buen bitrate, veo que tiene además otra virtud muy grande, y es el acabado. La mezcla y la masterización son dos procesos vitales para el resultado de la obra. Muchos de los artistas de música electrónica se encargan ellos mismos de todo el proceso y es muy raro que uno sea buen músico, buen mezclador y buen masterizador. Pocos ejemplos hay de eso, lo que deriva en acabados poco finos en una gran cantidad de estas obras. Son los parabienes y las miserias de la democratización de la música. Otro tema que da para largo.
En este caso no sé si él mezclará y masterizará, pero el acabado es sobresaliente.
Otro ejemplo de acabado sobresaliente es este. Hay pocos que suenen así de pulidos en el resultado final.



Otro ejemplo podría ser Guetta, que tiene unos acabados también impecables pero me da miedo mentarlo

Buen acabado, lastima que la canción sea odiosa, como ellos


Efectivamente tengo el disco "neo Sashimi" delante mio y según los créditos lo único que no ha hecho es la foto de la portada y el diseño, sólo pone Producer – Tomio Tremmel, que es el nombre del sujeto en cuestión. por cierto, veo que sacó un disco doble del que no tenía noticias, a por él voy

Tienes mucha razón en lo que dices del acabado y tal, pero la mayoría de productores en cuanto tienen algo de éxito se buscan a alguien que les masterice y mezcle, y claro, suelen dar un salto en calidad de sonido que te cagas, y eso se nota aún más cuando la canción suena por un equipo de miles de watios en una discoteca, festival...

Pues a mí me parece un temazo. En ese tipo de electrónica pocos detractores encontraréis, el problema es cuando se habla de electrónica falta de melodía y con constantes choques rítmicos.

Ese es el quid de la cuestión, electrónica hecha para gente a la que no le gusta la electrónica, electrónica facil y en muchas ocasiones falta de sustancia, como es el caso, le falta profundidad, personalidad, etc, aunque a mi no me desagradan Moderat.

Los choques ritmicos como tu los llamas, desde luego tienen mucho mas merito y aportan mucho mas que una melodia facilona.

Claro, lo sabes tú que es más fácil conseguir un choque rítmico que una melodía facilona.

Bellamy escribió:

Claro, lo sabes tú que es más fácil conseguir un choque rítmico que una melodía facilona.

Aprende a leer, yo no he dicho en ningún sitio que sea más fácil ni más dificil, he dicho que para mi tienen más mérito unos choques rítimicos como por ejemplo puedan ser los de Quaristicie que 10 melodias facilonas como el disco de Moderat, tiene mucho más trabajo detrás, mucho más ingenio, mucha más personalidad, lo cual no quiere decir que todos los choques ritmicos sean así, tambien los hay poco trabajados, ni que todas las melodias sean poco trabajadas y facilonas, hablabamos de este caso concreto.

No creo que sea el artista el que dote de identidad o personalidad a la música electrónica destinada al baile, o lo hace sólo en contados casos. Lo que he visto que dota de identidad a la música electrónica son las texturas del sonido.

Hagamos un repaso rápido a la historia de la electronic dance music.
Se pueden considerar 3 grandes focos: Por una parte Jamaica con el Reggae, Dub, Dancehall y los Sound Systems, que dotan de filosofía a las raves a parte de ser una fuerte influencia musical, por otro los hijos y nietos de los bluesmen que emigraron a Chicago y Detroit a principios de siglo que desarrollan su estilo en base al Rythm and Blues, el Soul y el Funk, y por último Europa que como siempre es el crisol de la creación artística y por un lado está la escuela alemana, por otro el Italo y por otro Inglaterra.

Vamos a centrarnos en Jamaica, Norteamérica y el Italo por ser prominentemente fuente de la música destinada al baile, materia del estudio. Tanto la escuela alemana como la inglesa están más orientadas a la música para la mente y, aunque hay también música de baile, en este punto estamos en las raíces. Estas escuelas en concreto son las que han generado el 99% de la música de baile electrónica actual.

Como hemos visto antes, la música de baile es arte incompleto, toma su absoluto sentido en la pista de baile con la colaboración de la catarsis del público. Esto de por sí deja al músico en un segundo plano, erigiéndose como maestro de ceremonias el DJ, que cogerá los trabajos de los músicos (o sus piezas y ejercicios propios) para conducir la ceremonia.
Si los artistas toman cierta relevancia es más por la necesidad de mitos que sustenten esta religio que por la identidad que aporten a los temas.

En la música tradicional el componente que mayor identidad aporta es el timbre de la voz. normalmente instrumento principal. Después las diferentes texturas de los instrumentos. Como hay gente detrás tocándolos eso se personaliza.
Con los sintetizadores no ocurre esto. Y han sido los propios avances tecnológicos los que han dotado de identidad a las diferentes expresiones y sus posteriores evoluciones.
Este es el caso de uso de "amen break" que ha dotado de identidad a todo un genero y sus múltiples escisiones como es el Breakbeat, o el característico sonido del Roland 303, que es el que dota de identidad al Acid y todas sus variantes.

Digamos que en un principio eran los propios músicos los que manejaban estos instrumentos y sí se podía ver como dotaban de una identidad a sus composiciones. Pero poco a poco esto se va diluyendo hasta llegar a los 90 donde la homogeneización es tal que comienzan a surgir cientos de géneros para englobar lo que en realidad son modas o tendencias en la utilización de las texturas del sonido y los ritmos.
Así pues hay mucha diferencia entre Kraftwerk y Ash Ra Tempel, menos diferencia entre Front 242 y Nitzer Ebb (el primer ejemplo que se me ha venido a la cabeza) hasta llegar a la total impersonalización y ser la textura del sonido, lo que se llama "grano", la que marque la identidad de las canciones, haciendo casi clones unas de otras. Esto se hace patente sobre todo en los 90 y termina en saturación en el siglo actual.
Ejemplos.
De la música masiva de baile de disco de mediados de los 90



Son prácticamente la misma canción. Las mismas texturas, los mismos recursos.

O esas dos de una tendencia un poco anterior



Impersonalización total. Lo que manda es la textura y el ritmo. Clavados.

Más ejemplos. Ahora en la tendencia del Progressive.



Parece que estamos escuchando la misma canción.
Hay una tendencia en la textura de un cierto sonido, de la utilización de ciertos recursos, se copian unos a otros y se crea un género. No, eso es una tendencia, no un género.

Podría seguir con todos los mal llamados géneros: GOA, Acid, Hardcore, Psycho, Garage, etc, etc... Cuanto más cercano a la actualidad el género mayor homegeneización se nota.

Esto es normal que sea así.
Primero por la irrupción del MIDI en el 82, que permitió que no músicos (entendido músico como artista ejecutante) comenzáramos a hacer música.
Por otra parte por la propia influencia de la tecnología de nueva aparición, inevitable en cualquier disciplina artística en toda la historia.
Y definitivamente por el nacimiento del fenómeno rave y grandes festivales, donde la música electrónica alcanza su apogeo congregando multitudes que dan sentido global a la expresión. Como he explicado antes la unidad de este tipo de musica no es la canción, como en la música tradicional, es la sesión del DJ (hecho este que la empereja a otras disciplinas como el Jazz o la música clásica por el paralelismo en la duración del formato, como introduje anteriormente).
Por lo tanto no estamos ante canciones en sí, sino a trozos de ritmo con ciertos ejercicios melódicos por encima que conforman una continuidad a la ceremonia, no de canciones por sí mismas, aunque abstractamente puedan funcionar como tal para el oyente que así lo quiera.
Además ya expliqué antes que la obra no está completa hasta la ceremonia, hasta la unión del DJ y el movimiento del público, es lógico pues que la identidad quede en un segundo plano para dejar que la catarsis colectiva termine de dársela mediante la suma de todas las identidades individuales allí congregadas.
Por eso se habla de la música electrónica como de una filosofía o de una religio. Porque realmente lo es.

Es normal entonces que la personalización, la identidad, esté en la textura del sonido y la naturaleza del ritmo empleado, detalles sutiles a la hora de dotar de fuerte identidad a algo. Y esto no lo marcan ni los artistas, ni los géneros, lo marcan la naturaleza de los instrumentos utilizados y las tendencias en las texturas y ritmos.

¿Qué pasa todo esto hoy día? Que está todo saturado.
Leo a Metas-Donna por aquí constantemente quejarse de inmovilismo (con razón) por un lado.
Por otro está el hecho que hemos comentado antes de la calidad de los acabados. La democratización de la música ha llevado a que cualquiera desde su habitación pueda componer, mezclar, masterizar y publicar un tema. Muy fuerte. Evidentemente de todos los que lo hacen, genios hay pocos, y el mercado está saturado.
Estoy seguro de que si preparo dos vídeos a ciegas con dos canciones de determinada tendencia con sus correspondientes texturas y elementos correspondientes, uno con una canción de algún reputado artista que no conozcáis y al lado una que haga yo en una tarde siguiendo esa misma tendencia y no sois capaces de acertar cual es cual. Si encima os oculto esta premisa previa y os digo que me digáis cual es la buena ya ni os cuento. Lo único que las podría diferenciar sería el acabado, la mezcla y el mastering, y eso en una compresión de audio como la que lleva Youtube es difícil de apreciar (en una discoteca saltaría enseguida, con el sonido pasa como con los jpgs, si no tienen buen acabado y resolución si los amplías pixelan).
Por otra parte, y esto es lo más sustancial, se han acabado las ideas. Lo decía Brian Eno hace poco en una entrevista.hace poco. No hay ideas (Brian Eno también dice que no piensa en sí mismo como en un músico, en relación a lo que he expuesto antes). Se han abusado de tantas tendencias, géneros, texturas y novedades como el chupachups que la capacidad de sorprender cada vez es menor.
La música electrónica se ha pegado un festín y ahora está de resaca.
En el ámbito mainstream se apuesta por una vuelta a lo clásico, dotar de estructuras de canciones pop a los recursos de la electrónica y conseguir así hacer canciones vendibles como producto, en un formato, esta vez sí de canción. Con resultados decepcionantes en la mayoría de los casos y curiosos en los menos pero que copan el mercado adolescente ávido de inmediatez. Ahí estarían los Guetta, Aoki, Pitbull, Magán, etc...
Por otro está el indie, que no es más que la otra cara de la moneda del mainstream pues su volumen de negocio ha dejado de ser un nicho de mercado para mover a millones de personas en redes como lastfm y con la autoridad de turno en modo de pitchfork o lo que elija cada uno. Ahí tenemos el ejemplo de Talabot, con una sensibilidad especial para captar las tendencias del momento y filtrarlas en sus creaciones lo que le hace sonar actual, da el pego, pero no muestra la realidad social, que al fin y al cabo es condición del arte. O los Daft Punk o Justice de turno.

¿Que nos queda?
Por un lado artistas que muestran su talento com músicos como el por mí recién descubierto The Sushi Club y tantos otros que habrá (no muchos), que inspiran sus trabajos más hacia la mente (definitivo que esté tan cerca de la escuela alemana) y por otro esas maravillosas píldoras que habéis estado poniendo por aquí y que son la verdadera vanguardia artística musical del momento. Muestras de una madurez de la música electrónica. Donde se puede ver una orientación hacia la reflexión en lugar de al movimiento. Donde en minuto y medio se ha dicho todo lo que se tenía que decir. Síntoma inequívoco de madurez. Donde lo emotivo prima sobre lo físico y donde, esta vez sí, la obra adquiere un sentido autónomo, pudiendo uno disfrutarla en la soledad de su hogar mientras se le pasa la resaca y analiza la oscura realidad social que se avecina.
Los ejemplos que habéis puesto son idóneos. El preciosismo de orientación dodecafónica de Squarepusher era? con esa atmósfera entre lo melancólico y lo esperanzador, ese sosiego. La suciedad y oscuridad de Burial, con esas texturas urbanas. Esa píldora que puso creo que Parker es como dar un mordisco a un trozo de acera. O una de las píldoras que más ha influido en las texturas sonoras de la música electrónica indie en los dos últimos años.

Dos minutos, no hace falta más para ilustrar el desasosiego de la sociedad actual.

Conclusión:
La música electrónica creció pareja a una innovación tecnológica que la dotaba de identidad, a una libertad que la dotaba de filosofía y a unas ganas de fiesta parejas a una realidad social boyante en lo económico. La fiesta terminó, la cosa está jodida y las niñas mueren en conciertos de Steve Aoki. La música de baile ha alcanzado lo que se conoce en toda vertiente expresiva como decadencia.

Estas píldoras sí muestran una madurez y una capacidad para mostrar la realidad social que las hace pertenecer a la vanguardia musical. Creo que el futuro, si no ya el presente (porque no estoy muy al loro) de la vanguardia electrónica va a ir por ahí.
A mí me flipan todas estas pildoritas que estáis poniendo por aquí. Obras maestras todas.

Ni tan mal ayer Bicep en la Apolo.

Estuvo bién, aunque mucho mejor la otra vez en el Werk It, para mi estuvo muy por encima de ellos Will Saul.

Creo que no pega en ningún lado del foro, pero aquí algo más que en "Despotricando..."

Esto es temario indiefriendly que diría Metas

http://www.popjustice.com/songs/disclosure-feat-alunageorge-white-noise/

Y el último single de Factory Floor también me gusta bastante.

https://soundcloud.com/factory-floor/fall-back-1

Disclosure molan mucho, ese tema está bién pero los tienen mejores.

Hablando de piel de gallina, de Boards of Canada y de transformar una canción, lo que hacen con este tema no está al alcance de practicamente nadie:

¿Qué artistas electrónicos créeis que dirán mañana en LA GALA?